L’exposition “Chefs-d’œuvre de la Galerie Borghèse”, qui se déroule du 6 septembre 2024 au 5 janvier 2025 au Musée Jacquemart-André, est une présentation d’œuvres de la galerie de Rome, actuellement en rénovation. Dirigée par Francesca Cappelletti, directrice de la Galerie Borghèse, et Pierre Curie, conservateur du musée Jacquemart-André, l’exposition est divisée en 8 espaces, correspondants chacun à un thème et repris dans cet article.
Le musée Jacquemart-André est installé dans l’hôtel particulier que fait construire, en1868, Édouard André (1833 – 1894). Il se marie en 1881 avec Nélie Jacquemart (1841 – 1912) et les deux époux entreprennent de créer ensemble une collection d’art destinée au public. Édouard et Nélie parcourent l’Europe (notamment l’Italie) pour agrandir leur collection, qui comprend des tableaux de maîtres italiens et flamands, des objets d’art de provenance et de techniques variés. A la mort d’Édouard, Nélie continue d’enrichir les collections.
La Galerie Borghèse provient de la collection du cardinal Scipion Caffarelli-Borghèse (1577 – 1633), neveu de Camille Borghèse (pape sous le nom de Paul V à partir de 1605). Dès son élection pontificale, Paul V nomme son neveu au poste de cardinal, une des plus hautes dignités ecclésiastiques. Il collectionne aussi bien des sculptures antiques, des réalisations tout juste antérieures à son époque (notamment de la Renaissance italienne, comme des tableaux de Raphaël, 1483 – 1520) que des œuvres de ses contemporains (comme Caravage, 1571 – 1610).
Les œuvres proviennent en partie de saisies sans scrupule, notamment d’une partie de la collection du peintre Giuseppe Cesari (dit le Cavalier d’Arpin, 1568 – 1640), qui avait été retirée de la possession de l’artiste en raison de dettes envers l’administration pontificale. C’est ainsi que Scipion obtient notamment le Garçon à la corbeille de fruits (vers 1596, Galerie Borghèse) peint par Caravage. Son activité de mécène le place comme un commanditaire de premier plan, ce qui lui permet de compléter ainsi sa collection. Après sa mort, l’ensemble de la collection continue d’appartenir au patrimoine familial, et d’être enrichi par de nouvelles acquisitions, jusqu’au XIXe siècle et l’occupation de Rome par Napoléon Ier.
L’exposition, présentée à partir des collections d’un homme d’Église des XVI-XVIIe siècles, s’installe dans l’hôtel particulier de grands collectionneurs du XIXe siècle, illustrant ainsi la perpétuation de l’intérêt pour l’art à travers les siècles.

Michelangelo Merisi dit Caravage, Garçon à la corbeille de fruits, vers 1596, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
Le goût Borghèse
Le statut social élevé de Scipion lui permet d’être parmi les plus importants collectionneurs de son époque, et de pouvoir être en contact directement avec les artistes. Il entre notamment en possession d’œuvres majeures de la Renaissance italienne, comme la peinture de Raphaël, La Dame à la licorne.
La Dame à la licorne représente une jeune femme habillée à la mode du début du XVIe siècle. Il pourrait s’agir du portrait de Maddalena Strozzi avant son mariage. Elle pose devant un parapet qui laisse apercevoir un paysage de montagne au loin. Le tableau a été restauré en 1936, car il avait été recouvert d’une représentation de sainte Catherine d’Alexandrie.

Raffaello Sanzio dit Raphaël, La Dame à la licorne, vers 1506, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
La famille Borghèse, au XVIIe siècle, possède ainsi près de 800 tableaux et une remarquable quantité d’antiques. La fin du XVIIIe siècle et le début du siècle suivant voit la vente d’une partie de la collection, et notamment de nombreux antiques que l’on peut retrouver en partie au Louvre car ils ont été acquis par Napoléon, après le mariage de sa sœur Pauline Bonaparte (1780 – 1825) avec le prince Camille Borghèse (1775 – 1825). Le prince vend à l’empereur certaines œuvres de la collection familiale.
La collection devient un musée public en 1902, géré par l’Etat italien.
Entre Ferrare et Bologne, une Renaissance magique
La collection du cardinal permet de voir l’évolution des goûts artistiques des collectionneurs au XVIIe siècle, puisque les œuvres qui intègrent sa collection le sont selon son plaisir personnel et non pas selon un programme préétabli. Le choix se fait d’après les qualités visuelles et symboliques des réalisations.
En 1608, Scipion acquiert d’un ensemble de peintures de Ferrare, dont certaines sont imprégnées, comme l’Allégorie mythique de Dosso Dossi (vers 1529, Galerie Borghèse), qui représente une nature à la spiritualité mystérieuse. Ce goût pour l’onirisme se retrouve dans l’acquisition qu’il fait en 1617 de la Sybille du Dominiquin (1581 – 1641). Issu de l’école de Bologne, comme Guido Reni (1575 – 1642) dont Scipion apprécie également les peintures, Dominiquin est par la suite forcé de travailler pour le cardinal, démontrant le peu de scrupules de Scipion Borghèse.
Entourée de symboles rappelant la mythologie romaine et plus précisément le dieu des Arts et de la Musique Apollon, la Sibylle du Dominiquin regarde un point insaisissable pour le spectateur. Dans la tradition biblique, les sybilles auraient prédit la naissance du Christ, à l’instar des prophètes.

Domenico Zampieri dit Dominiquin, Sibylle, 1617, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
Galerie de portraits
Les différents portraits de la collection Borghèse permettent de voir les évolutions de ce genre qui s’impose véritablement à partir du XVe siècle. Le portrait est d’abord utilisé par les hommes de pouvoir pour transmettre leur image et leur puissance. Il est ensuite repris par d’autres types d’hommes et de femmes, comme les bourgeois, les hommes de lettres ou les marchands.
Le Portrait d’homme de Parmesan est un exemple de ces hommes influents qui souhaitent se faire représenter. L’identification du sujet reste pourtant difficile, en raison de l’absence de symbole. L’homme est vêtu entièrement de noir sur un fond neutre, ce qui peut laisser penser qu’il s’agit d’un prélat ou d’un gentilhomme.

Francesco Mazzola dit Parmesan, Portrait d’homme, vers 1528, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
Scipion Borghèse : un cardinal esthète
Le dénominateur commun de la collection Borghèse est l’aspect esthétique des œuvres, toutes remarquables par leur beauté artistique. Cela est également le cas pour les peintures religieuses, qui sortent de plus en plus des espaces sacrés publics pour rejoindre les collections privées et être mises en lien avec les œuvres sans sujet sacré. Les tableaux de la collection Borghèse sont à la fois des œuvres antérieures au début de la constitution de la collection, comme la Vierge à l’enfant de Giulio Romano (vers 1499 – 1546), et des œuvres de contemporains, comme Annibal Carrache (1560 – 1609) et sa Sainte Famille (vers 1605, Galerie Borghèse).
La Vierge à l’enfant avec saint Jean-Baptiste enfant de Giulio Romano représente une scène dévotionnelle classique. La scène est enrichie de nombreux symboles rappelant le destin de Jésus, comme le chardonneret que tend Jean-Baptiste à Jésus. Le chardonneret est en effet l’oiseau symbolisant la Passion du Christ.

Giulio Pippi dit Giulio Romano, Vierge à l’Enfant avec saint Jean-Baptiste enfant, vers 1512-1513 ou 1518, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
Splendeurs de la Villa Borghèse
La Villa est construite entre 1607 et 1616 sur la colline romaine du Pincio. Scipion Borghèse y installe sa collection éclectique, créant ainsi un musée pour les artistes et les visiteurs privilégiés. Se côtoient les chefs-d’œuvre de la Rome Antique et de la Rome Moderne.
Le Portrait de Paul V par Marcello Provenzale est une commande de Scipion à l’artiste. Il s’agit d’une mosaïque composée de fines tesselles travaillées avec soin, permettant de mettre en avant le talent de l’artiste et la puissance de la famille Borghèse, dont le blason est représenté dans le coin supérieur droit.

Marcello Provenzale, Portrait du pape Paul V, 1621, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
La dramaturgie du corps
L’époque de Scipion Borghèse est marquée par un renouvellement de l’intérêt pour la représentation des émotions et du réalisme du corps. Caravage et Carrache en sont deux représentants majeurs, s’attachant à représenter le corps dans la violence ou la souffrance, en témoigne le Samson enchaîné d’Annibal Carrache (vers 1594, Galerie Borghèse).
Caravage inspire d’autres artistes, parmi lesquels Giovanni Baglione. Le tableau intitulé Ecce Homo représente en réalité un thème nordique, du Christ méditant sur la Passion. Le geste du bourreau soulevant le manteau de Jésus est une référence directe au Couronnement d’épines peint par Caravage (vers 1602-1603, Vienne, Kunsthistorisches Museum).

Giovanni Baglione, Ecce Homo, 1606, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
Amour et Eros
L’organisation de cette partie de l’exposition évoque la “Salle des Vénus” aménagée au XVIIe siècle dans le palais Borghèse. Il s’agit d’une pièce regroupant les représentations des déesses et héroïnes nues, rendant hommage à la déesse de l’Amour, Vénus et aux protagonistes de la mythologie antique romaine. Le nu féminin prend de l’importance au XVIe siècle, notamment en parallèle des découvertes de la statuaire antique. Les représentations sensuelles permettent une nouvelle expérience visuelle pour les spectateurs.
La mythologie devient un prétexte pour représenter la nudité féminine. Le mythe de Léda, aimée de Zeus qui prend la forme d’un cygne pour la séduire, est présent à de nombreuses reprises parmi les œuvres de la Renaissance. Le tableau Léda et le cygne, peint d’après des cartons de Léonard de Vinci, montre Léda tenant dans ses bras l’oiseau qui entoure sa taille avec l’une de ses ailes. La courbure des corps accentue la sensualité de la scène.

D’après Léonard de Vinci, Giovanni Antonio Bazzi dit le Sodoma (?), Léda et le cygne, avant 1517, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
Bernin dans la collection Borghèse
Gian Lorenzo Bernini (dit Bernin, 1598 – 1680) s’impose très jeune dans le paysage artistique comme un sculpteur talentueux. Scipion Borghèse devient son mécène, et le sculpteur a tout juste 20 ans quand il réalise, sur commande, 4 groupes monumentaux en marbre pour le cardinal. Bernin s’illustre aussi dans le portrait sculpté, notamment pour le pape Grégoire XV en 1622, dont le buste en bronze a été acquis par Nélie Jacquemart et est intégré à l’espace d’exposition aux côtés d’autres réalisations du sculpteur.
La Chèvre Amaltée avec Jupiter enfant et un faune est un sujet mythologique librement interprété par l’artiste. Réalisé en marbre et de dimensions moyennes (43,5 x 60 x 63 cm), il s’agit du groupe sculpté qui fait connaître Bernin auprès de Scipion Borghèse.

Gian Lorenzo Bernini dit Bernin, La Chèvre Amalthée avec Jupiter enfant et un faune, vers 1614-1615, Galerie Borghèse (ici, dans l’exposition du musée Jacquemart-André).
Article rédigé à partir du catalogue de l’exposition :
Cappelletti Francesca, Curie Pierre (dir.), Chefs-d’œuvre de la Galerie Borghèse, Musée Jacquemart-André, septembre 2024 – janvier 2025, Bruxelles, Fonds Mercator et Culturespaces, 2024.
Elise CLAVEAU
M1 Sociétés moderne et contemporaine dans la mondialisation
Sous la direction de Julie Le Gac
OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
rboughalmi (9 décembre 2024). ELISE CLAVEAU. Visite de l’exposition “Chefs-d’œuvre de la Galerie Borghèse” au Musée Jacquemart-André. Master Histoire de Nanterre. Consulté le 11 avril 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/12vbu