DE CARDENAS Brontë. L’exposition d’Artemisia Gentileschi Au Musée Jacquesmart André

               Si  vous avez déjà entendu  parler de l’artiste peintre baroque Artemisia Gentileschi , vous connaissez probablement une partie  tragique de son histoire. Les médias ont souvent tourné autour de son viol et du procès qui s’en est suivi contre son agresseur, dont un film très peu fidèle en 1997 et de nombreux romans et pièces de théâtre. Cependant, l’exposition temporaire qui se tient actuellement au Musée Jacquesmart André souhaite mettre en lumière  son illustre carrière. Certes, elle a connu une tragédie dans sa jeunesse, mais elle en a triomphé et est devenue l’une des artistes les plus célèbres de l’histoire, considérée même comme le pendant féminin du Caravage, selon l’exposition. En parcourant les salles de l’exposition et en admirant la collection de quarante pièces  réunies, on est effectivement impressionné par son talent et j’espère que cette réflexion vous incitera à la visiter avant qu’elle ne se termine le 3 août.

Avant de plonger dans le contenu de l’exposition elle-même et dans mes réflexions, voici un aperçu de la présentation et de l’expérience de l’exposition afin que vous ayez une meilleure idée de ce à quoi vous attendre et de la manière de visiter. Avant d’entrer dans les tourniquets de l’exposition, nous commençons par la salle de l’Atelier de l’exposition avec une vidéo d’introduction des chercheurs expliquant les grands thèmes de la vie et de l’œuvre de Gentileschi. L’exposition est organisée en huit salles que j’ai personnellement mis environ deux heures à visiter, en lisant au moins tous les textes principaux et en écoutant chaque partie de l’audioguide numérique gratuit (si vous téléchargez l’application du musée, qui était parfaitement facile et conviviale). Bien que l’organisation soit un peu contre-intuitive et qu’il faille pousser contre le flux serré des autres visiteurs, les salles explorent différents aspects de son travail et mettent vraiment en lumière son talent et son importance dans l’histoire de l’art, avec notamment  une salle sur sa jeunesse et son individualisation  par rapport au style de son père, sa célèbre carrière de portraitiste de rois et de nobles européens, et un focus sur les sujets d’héroïnes souvent répétés que l’on trouve dans ses œuvres.

Ma visite a eu lieu un lundi après-midi à 13h30 et, bien qu’il s’agisse d’un jour de semaine, il y avait quand même beaucoup de monde. Je recommanderais d’y aller le plus tard ou le plus tôt possible, car le très petit espace semble avoir du mal à accueillir les foules. J’ai déjà visité une exposition dans cet espace et la taille était tout à fait correcte, mais il semble que cette exposition attire suffisamment d’attention pour que l’espace ne soit pas habitué à l’accueillir. Dans une salle particulièrement petite de cette exposition, j’ai même été entourée si soudainement par la foule que j’étais pressée de tous les côtés et que j’avais du mal à m’échapper.

                     Figure 1 Autoportrait en joueuse  de lutte ( 1614-1615) 

Sa vie :

Née à Rome en 1593, Artemisia Gentileschi fait preuve d’un talent artistique précoce en s’entraînant dans l’atelier de son père, Orazio Gentileschi. Son sexe lui interdit l’accès aux académies et, en raison du décès prématuré de sa mère, elle devient la femme de la maison et élève ses jeunes frères et sœurs. Malgré cela, elle a continué à développer ses compétences artistiques en copiant le travail de son père avec d’autres apprentis et en s’adaptant à ses corrections. Même les historiens ont eu du mal à comprendre son talent. Avant d’être authentifiée comme son œuvre,  Suzanne et les Vieillards  (qu’il est interdit de photographier dans l’exposition) a été considérée par les historiens comme le tableau de son père, car elle était jugée trop jeune pour réaliser une œuvre aussi impressionnante sur le plan technique. Dans l’exposition, nous voyons  . Elle a également été exposée à d’autres artistes de haut niveau, comme Le Caravage, dont elle s’est beaucoup inspirée, et l’exposition met en évidence l’influence de ce dernier dans son œuvre.

Un autre associé de son père et son tuteur, Antonio Tassi, l’a violée alors qu’elle étudiait avec lui, ce que nous savons grâce à un important procès que la famille Gentileschi a gagné, envoyant l’auteur en exil. Dans la vidéo d’introduction de l’exposition, une chercheuse évoque cette histoire et explique qu’ils ont voulu mettre l’accent sur l’incroyable carrière d’Artemisia Gentileschi, ce qui est très important pour rendre hommage à une artiste aussi magnifique et pour avoir une vue d’ensemble  de sa vie et de sa carrière. Cependant, elle a également déclaré qu’elle pensait que nous imposons souvent un concept moderne de viol sur le passé de manière anachronique et que le viol « n’a pas affecté sa vie ». La question des interprétations anachroniques du passé m’a toujours fascinée, mais dans un cas comme celui-ci, elle semble déplacée. Oui, le contexte historique est toujours important, mais sachant ce que nous savons des effets d’un crime aussi odieux sur un être humain, en quoi ces effets négatifs sont-ils uniquement liés au contexte culturel ? Les victimes d’aujourd’hui souffrent-elles uniquement parce que leur souffrance porte un nom ?   Ce n’est pas parce que Gentileschi a continué à vivre une vie impressionnante, comme beaucoup de personnes qui ont subi la même violence, qu’il est juste pour elle de dire que cela n’a pas affecté sa vie. Je pense que si nous pouvons et devons veiller à ce que l’histoire complète et multiforme de Gentileschi soit racontée, cela ne signifie pas que nous devons minimiser  une partie très réelle de son expérience. Malgré cet élément de langage et d’opinion qui m’a fait beaucoup réfléchir, je félicite l’exposition de n’avoir mentionné cet événement que lorsqu’il était pertinent et d’avoir vraiment mis en valeur le talent et l’intelligence de Gentileschi au cours d’une carrière de vingt ans qui s’est déroulée dans toute l’Europe.

                     Figure 2 Clio, muse de l’Histoire, 1632. Commandée par le                                duc de Guise, Charles de Lorraine

Bien qu’il y ait eu d’autres femmes artistes en Italie à l’époque, Gentileschi était unique à bien des égards. Alors que les femmes artistes étaient généralement reléguées aux natures mortes et aux portraits, domaines dans lesquels elle excellait, elle s’est également lancée dans la peinture d’histoire. Ses œuvres étaient convoitées par de nombreux personnages importants des cours d’Europe, dont Cosimo II de Médicis et Philippe IV d’Espagne, et sa propre entreprise lui permettait de subvenir aux besoins de sa famille. Elle était en effet très consciente de son statut de femme et utilisait cette perspective dans son art, interprétant les émotions et les relations de ses sujets féminins avec plus de force que ce que nous pourrions voir dans d’autres portraits. Par exemple, son père et elle ont tous deux représenté Judith et la tête d’Holopherne, mais dans sa propre représentation, elle montre l’intimité entre les femmes d’une manière subtile mais puissante. On le voit en partie dans la façon dont la main de Judith s’enroule autour de l’épaule de sa servante.

                                      Figure 3 Judith et sa servante, vers 1615

Dans l’exposition, les conservateurs utilisent son apprentissage avec son père comme point de départ pour le lancement de sa carrière et je pense que cela joue un rôle important en montrant son individualité en tant qu’artiste. Au fur et à mesure que nous avançons dans les salles, nous découvrons son caractère unique en tant qu’artiste.

Son Art :

Par son talent et ses techniques, Gentileschi s’est révélée être une artiste unique et importante pour l’histoire de l’art. Elle s’est notamment affranchie de l’ombre de son père en rendant sensuelles les héroïnes féminines de ses œuvres,  d’autant plus qu’elle leur donnait souvent ses propres traits. Ce type d’autoportrait est très intrigant et, en regardant les différentes pièces de l’exposition, il est clair pour le spectateur que le même visage se retrouve dans la plupart d’entre elles. Par conséquent, non seulement elle s’est inspirée d’elle-même, mais elle a également représenté les personnages (dont elle-même) nus – un geste audacieux pour l’époque. Ces figures féminines ont également été dotées de traits plutôt masculins, physiquement forts, ce qui détonne pour mon œil moderne, mais qui a charmé ses acheteurs (bien que la raison de ce choix n’ait pas été expliquée).

Cette force est un élément important de son œuvre, en particulier dans la manière dont elle représente la tension entre les femmes et les personnages masculins dotés d’une plus grande force physique. Cela est particulièrement visible dans sa célèbre peinture de Judith décapitant Holopherne, comme on peut le voir ici (l’exposition présente une copie de l’œuvre de Gentileschi). Comme cette peinture a été réalisée peu de temps après son viol et son procès, on pense que cette scène viscérale laisse transparaître une partie de sa colère et de sa tension.

Figure 4 Judith décapitant Holopherne, copie présentée  dans l’exposition

C’est certainement la peinture pour laquelle je la connaissais le mieux avant de venir à cette exposition. Le dynamisme et la violence sont frappants, peut-être grâce à l’utilisation du clair-obscur, mais aussi à la disposition des personnages, deux femmes se pressant contre Holopherne. Les femmes sont fortes, mais techniquement moins que l’homme qu’elles attaquent avec une froideur déterminée et volontaire sur leurs visages. L’exposition a noté qu’en tant que peintre d’histoire en général, elle a essayé de montrer comment on peut raconter une histoire du passé en un seul moment – et ce tableau, avec son action tendue, semble vraiment l’illustrer.

Cela m’amène à parler d’une chose que j’ai trouvée particulièrement puissante : les expressions faciales et les émotions extrêmement détaillées dans toutes ses œuvres. Chaque petite courbe des lèvres et chaque torsion au coin des yeux rendent le monde intérieur des sujets si puissamment clair et émouvant que je me suis sentie transie, mais je me suis aussi perçue  dans ma propre expérience humaine. Il n’y a pas de détachement dans ses peintures, et l’on sent qu’elle comprend les émotions très réelles qui se cachent derrière chaque action et chaque histoire. Et là encore, nous voyons l’importance de son point de vue de femme, qui apporte à ses sujets une émotion et une humanité intemporelles que ses congénères masculins n’ont apparemment pas réussi à faire, du moins à la même échelle. Par exemple, l’expression de Suzanne dans la version de Gentileschi du tableau Suzanne et les Vieillards  est déformée par une peur et un dégoût bruts qui sont tristement reconnaissables pour de nombreuses femmes. C’est très frappant. Gentileschi utilise bien sûr d’autres techniques, comme le fait de placer les hommes au-dessus d’elle pour lui donner l’impression qu’ils la menacent, mais le fait de voir ses propres émotions si brutes et si réelles sur son visage est très puissant – et c’est quelque chose qui manque souvent dans les représentations des artistes masculins. Si vous avez l’occasion de voir le travail de cette femme incroyable en vrai, je vous encourage vivement à la saisir.

Je vous laisse sur cette citation de Gentileschi , qui figure dans l’exposition :

 DE CARDENAS, Brontë

M1 Histoire des Mondes Moderne et Contemporaines

Sous la direction de Matthieu Ferradou et Baptiste Bonnefoy

 

 

 

 

 


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
rboughalmi (1 mai 2025). DE CARDENAS Brontë. L’exposition d’Artemisia Gentileschi Au Musée Jacquesmart André. Master Histoire de Nanterre. Consulté le 15 novembre 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/13urf


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