La Reine Margot

AUGUSTE MESLET. COMPTE RENDU DE FILM : LA REINE MARGOT DE PATRICE CHÉREAU.

Principalement célèbre pour ses fastueux costumes, La Reine Margot, film de Patrice Chéreau, sorti en 1994, revient sur l’un des événements les plus célèbres et longtemps controversé de l’histoire de France : le massacre de la Saint-Barthélemy. Le projet de ce film naît de la volonté du producteur Claude Berri de réaliser un film patrimonial dans la lignée de ses récents succès Jean de Florette ou encore Manon des sources. Dans les années 1990 d’autres adaptations patrimoniales, comme celle des romans de Marcel Pagnol par Yves Robert ou de Cyrano de Bergerac parJean-Paul Rappeneau connaissent aussi d’importants succès. Claude Berri propose ainsi à Patrice Chéreau, alors principalement célèbre pour son travail de metteur en scène de théâtre, de réaliser une adaptation d’un livre d’Alexandre Dumas. Le choix se porte sur La Reine Margot, publié en 1845 sous forme de roman-feuilleton, premier volet d’une trilogie consacrée à la dynastie des Valois et aux guerres de religion. Patrice Chéreau s’intéresse à ce livre pour plusieurs thématiques comme la violence et le massacre de la Saint-Barthélemy. Sujet qu’il a déjà abordé au théâtre en 1972, dans une pièce écrite par Christopher Marlowe intitulée Massacre à Paris. Il est alors intéressant de s’interroger sur la manière dont Chéreau représente cet événement et les différents acteurs historiques qui y prennent part, mais aussi, plus largement, sur le rapport qu’il entretient à l’histoire. 

Le film se présente clairement comme une adaptation du roman d’Alexandre Dumas plutôt qu’une tentative de récit historique. Alexandre Dumas, principalement inspiré par l’historiographie protestante majoritaire au XIXe siècle, reprend dans son ouvrage un discours clairement anti-Valois. La responsabilité du massacre et de l’attentat contre Coligny est attribuée directement à Charles IX, montré comme un roi calculateur. Le livre contribue, de plus, à la construction de la légende noire de Catherine de Médicis qui y est montrée comme reine étrangère, machiavélique et manipulatrice.  

Chéreau ne cherche pas à faire transparaître dans son film la vérité historique sur la Saint-Barthélemy, tout en refusant de s’inscrire dans les codes du film historique traditionnel Il évite ainsi certains stéréotypes des films de cape et d’épée, rendant le film unique en son genre. Malgré d’importants travaux historiques menés avec la scénariste Danièle Thompson, Patrice Chéreau décide de conserver une certaine distance : tant vis-à-vis de ces travaux que vis-à-vis de la version délivrée par Alexandre Dumas. Son film demeure cependant imprégné par les discours anti-Valois. La famille royale est représentée comme immorale, comploteuse, pratiquant l’inceste et usant régulièrement du poison. Cette image s’inscrit plus particulièrement dans une volonté de critique du pouvoir et de montrer la violence découlant des vices des individus qui l’exercent. Ainsi, le massacre de la Saint-Barthélemy est présenté comme causées par les conflits politiques internes à la cour du roi. Le massacre semble alors en grande partie désinvesti de sa dimension religieuse ; bien que la violence du massacre soit montrée de manière explicite dans le film, celle-ci ne retranscrit pas l’entière réalité des pratiques qui s’y déroulent notamment l’acharnement sur les corps morts, pratique caractéristique de ces conflits.  

 La violence, en partie désinvestie de son aspect religieux, nourrit chez Patrice Chéreau un propos plus général et universel sur l’humain. Ce dernier affirme représenter une vision pessimiste de l’histoire montrant la violence comme universelle et transhistorique. Le film s’inspire d’images plus contemporaines des années 1990. Les scènes de massacres et de traitement des cadavres rappellent alors aux spectateurs des évènements plus récents comme la guerre de Yougoslavie, le massacre de la place Tian’anmen, la guerre du Golfe, ou encore l’ouverture des camps d’extermination nazis. A l’aspect visuel, la musique bosniaque faisant directement écho chez le spectateur à un conflit plus contemporain et familier. L’histoire est donc utilisée à travers ce film comme un prisme pour tenir un discours à la fois sur le présent mais aussi sur l’universalité de la violence humaine, dans une vision pessimiste de l’histoire. L’usage volontaire d’anachronismes temporels et spatiaux contribue à cette tentative de donner au film une dimension universelle.  

Le film ne semble alors pas privilégier la compréhension précise des événements et peut être difficile d’accès pour un public peu familier avec ces événements : les différents personnages et le contexte historique ne sont que très rapidement présentés.  Patrice Chéreau semble privilégier les ressentis et les émotions traversant les individus présents au milieu d’une guerre civile. Cet aspect est critiqué par une partie du public jugeant le film assez élitiste. Cela se traduit par un succès assez limité en salle, malgré un succès critique, avec un certain nombre de récompenses à Cannes, aux Césars ainsi qu’une nomination aux Oscars pour les costumes.  

Ces derniers, conçus par Moidele Bickel sont eux aussi le fruit d’un important travail historique effectué en collaboration avec Hervé Grandsart, spécialiste d’histoire de l’art et conseiller en film historique, qui constitue un corpus de références visuelles à partir de tableaux, tapisseries et planches d’illustrations du XVIe et XVIIe. Moidele Bickel et Patrice Chéreau sont donc conscients de la mode et des techniques d’époque. Pour autant, le choix de la liberté artistique est là encore fait par les membres de l’équipe du film. Moidele Bickel puise dans des inspirations multiples afin d’effectuer ces costumes. La robe de mariée de Marguerite s’inspire, par exemple, de la mode italienne de cette période, tandis que d’autres éléments de costumes comme certains cols proviennent plutôt de la mode espagnole du XVIIe siècle. On observe également des anachronismes, les bijoux portés par Marguerite s’inspirent de la mode des années 1990, tout comme les hommes qui portent les cheveux longs, rappelant ainsi la mode contemporaine plutôt que la réalité historique. Ce compromis entre documentation historique, repères familiers et esthétisme des costumes permet de limiter l’étrangeté visuelle tout en rendant identifiable l’époque à laquelle se déroule l’action. 

Les costumes sont aussi utiles à la mise en scène du film, permettant une opposition visuelle entre catholiques et protestants. Ces derniers sont principalement vêtus de noir, dans des costumes inspirés de la peinture flamande, tandis que les catholiques sont associés à des couleurs vives, comme l’or et le rouge. Les Valois apparaissent fréquemment en rouge, couleur symbolisant le sang qu’ils font verser durant le film. Cette distinction vestimentaire ne correspond, encore une fois, à aucune réalité historique, aucune distinction visuelle ne différencie les protestants des catholiques. Les costumes sont utilisés comme repères pour le spectateur afin de rendre le film plus lisible. Le faste des costumes et des corps richement vêtus entre en opposition radicale avec les corps nus présents dans le film. La nudité est alors filmée à la fois dans les scènes de massacres et de traitement des cadavres ou au contraire dans les différentes scènes érotiques. Cette opposition s’inscrit dans l’esthétique de l’ensemble du film dont plusieurs compositions de plan rappellent des œuvres picturales comme Le Radeau de la Méduse de Géricault pour les corps des morts, ou Le Sacre de Napoléon de David pour la procession royale. Enfin, cette esthétique fortement théâtrale renvoie aux travaux de metteur en scène de Patrice Chéreau ainsi qu’à certains nombres de références cinématographiques telles que Othello ou Macbeth d’Orson Welles, ou encore Ivan le Terrible d’Eisenstein.   

Le film ne cherche ainsi ni à reproduire fidèlement l’esthétique de l’époque ni à restituer avec exactitude les événements historiques. Une telle retranscription des événements se serait révélée impossible, certaines zones d’ombre subsistant au sein de l’historiographie. Patrice Chéreau privilégie donc les émotions que peuvent susciter les différentes intrigues, et la violence des différents événements. Les libertés prises avec l’histoire rendent le film plus attrayant pour le public, en multipliant complots, trahisons et intrigues, tout en nourrissant un propos pessimiste sur l’histoire, marquée par la violence, la culpabilité des puissants et du jeu politique, à travers les différentes périodes. L’esthétique du film contribue à rendre le propos froid, voire glaçant, renforçant son impact. Ces différentes dimensions tendent alors à recouvrir certains aspects centraux des guerres de religion et du massacre de la Saint-Barthélemy, principalement sa dimension de crime de voisinage est occultée. En effet, étant impossible d’identifier un protestant sans le connaître personnellement, il s’agit d’une violence commise par des individus que l’on connaît. L’acharnement sur les corps traduit une volonté de se distancier des protestants, perçus comme coupables de tous les maux du royaume malgré leur proximité. 

La Reine Margot de Patrice Chéreau est donc un film porté principalement sur la violence universelle des humains comme hubris des puissants tendant à atténuer la spécificité religieuse et sociale de la Saint-Barthélemy comme violence de proximité conservant une continuité avec des images classiques de l’événement depuis longtemps contredites et faisant persister des légendes noires comme celle de Catherine de Médicis.  

Auguste Meslet 

Master 2 Histoire et sciences sociales du politique   

Mémoire sous la direction de Simon Sarlin  


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
imardikian (5 février 2026). AUGUSTE MESLET. COMPTE RENDU DE FILM : LA REINE MARGOT DE PATRICE CHÉREAU. Master Histoire de Nanterre. Consulté le 10 mai 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/15msc


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