L’Ecole des Arts Joailliers a réalisé, en collaboration avec la Comédie-Française, une exposition centrée autour des bijoux de scène. L’ouverture est pour le moment suspendue mais nous avons eu la chance de suivre une conférence privée de la commissaire : la conservatrice-archiviste de la Comédie française, Agathe Sanjuan.  

L’Ecole des Arts Joailliers propose une exposition temporaire au sein de ses nouveaux locaux : l’hôtel Mercy Argenteau situé sur les Grands Boulevards, près du musée Grévin. Cet hôtel, construit dans le dernier quart du  xᴠɪɪɪ siècle, abrite depuis octobre les cours de l’Ecole (autour des techniques de l’orfèvrerie, de joaillerie…) mais aussi la première bibliothèque consacrée à l’histoire du bijou, l’ensemble étant financé par la maison Van Cleef and Arpels.  

Issue d’une collaboration avec la Comédie française, la nouvelle exposition concerne les bijoux de scène des comédiens du xᴠɪɪɪ^e au début du xx^e siècle. “Les bijoux de scène de la Comédie française” aurait dû ouvrir au grand public le 6 octobre 2023 mais des problèmes relatifs au site retardent l’ouverture.  

Nous avons eu la chance de suivre une visite privée, réalisée par la commissaire de l’exposition : la conservatrice-archiviste de la Comédie française, Agathe Sanjuan. En attendant l’ouverture officielle, voici un petit avant-goût ! 

Les bijoux de scène 

Avant tout, qu’est-ce qu’un bijou de scène ? Spécifiquement conçu pour être porté au théâtre, il est réalisé en matière non-noble comme le laiton ou des alliages composites à la place de l’or, l’argent ou le verre poli et taillé pour les pierres précieuses.  

En les observant de plus près, on constate que le soin est remarquable. La technicité des bijoux de scène est à comparer avec la joaillerie de l’époque pour des objets qui ne faisaient qu’agrémenter les costumes des comédiens, parfois invisibles aux yeux des spectateurs. Pour autant, chaque détail a son importance : ils permettent aux comédiens d’incarner pleinement leurs personnages. L’objectif de ces pièces : frapper par leur allure mais également résister à la gestuelle, aux mouvements des corps. 

La Comédie française ne fournissait pas les costumes à ses sociétaires. Les comédiens devaient financer eux-mêmes ce qui leur permettait de donner vie à leurs personnages sur les planches. Ce fait amène deux problématiques. D’abord, une grande hétérogénéité esthétique selon les moyens financiers du comédien. Ensuite, dans une économie de moyen, un costume ou un bijou peut être réutilisé plusieurs fois pour différents rôles. Ces rôles peuvent être modernes ou antiques, peu importe ! Le bijou sera le même, menant à des anachronismes. 

Les seuls bijoux financés par le théâtre sont les bijoux essentiels à la compréhension de l’histoire, “ceux qui jouent”. C’est, dans ce cas-là, le garçon de théâtre qui se charge de réaliser l’objet indispensable.  

L’exposition se veut être un historique du bijou de scène du XVIIIe au début du XXe siècle. Elle met en avant de nombreux bijoux s’inscrivant dans les différentes mouvances artistiques de l’époque (l’antiquité, l’orientalisme, le romantisme…), tout en expliquant en parallèle l’évolution des arts de la scène. Cet historique permet d’exposer des supports riches et diversifiés : les bijoux, bien sûr, mais aussi des archives de la Comédie française, des gravures, des tableaux, des costumes d’époque et même des extraits de pièces filmées. 

Quelques objets phares de l’exposition 

L’exposition navigue entre les mouvements artistiques et les sociétaires phares de la Comédie française. Les archives iconographiques dialoguent avec les costumes historiques. S’il est impossible de tout présenter, voici quelques chefs-d’œuvre en détail de l’exposition. 

“Toc en stock : les réalités du bijou de scène” 

 

            Adrienne Lecouvreur est une des pensionnaires majeures de l’époque, admirée par Voltaire lui-même. Elle incarne dans cette œuvre le rôle de Monime, tirée de la pièce Mithridate.  

            L’intérêt de ce tableau est la présence d’un bijou qui joue, indispensable à l’histoire. Monime a reçu une promesse de mariage de Mithridate symbolisée par un diadème ou un bandeau royal. Alors que l’ennemi est aux portes du palais, le roi ordonne à sa fiancée de mourir par le biais d’un serviteur. Le texte de Plutarque, dont Racine s’est inspiré pour sa pièce, s’ensuit : “adonc elle s’arracha d’alentour de la teste son bandeau royal, et se le nouant alentour du col, s’en pendit. Mais le bandeau ne fut pas assez fort, et se rompit incontinent.” Monime, désespérée, jeta le bandeau au sol avant de cracher dessus.  

Racine garde la symbolique du bandeau et élude cette tentative de suicide dans la pièce, porté par la bienséance du théâtre de l’époque. Il la réalise autrement comme l’atteste ce tableau de De Troy. Monime vient de jeter le bandeau à terre et lève les yeux au ciel, comme suppliant. Dans sa main gauche, elle tient une coupe empoisonnée que le serviteur de Mithridate vient de lui apporter. On l’aperçoit prêt à s’enfuir dans le fond, tentant d’emmener avec lui la suivante de Monime, qui essaye de dissuader sa maîtresse de commettre ce geste. 

Dans ce contexte, ce bijou est essentiel à la compréhension de la scène et n’est pas financé par l’actrice, mais est de la responsabilité du théâtre. 

Adrienne Lecouvreur, malgré sa réputation, connût un destin funeste : décédée avant de pouvoir renier son métier, elle sera enterrée dans une fosse commune, sans cérémonie chrétienne et les honneurs qu’elle méritait, les comédiens étant frappés d’excommunication. En effet, leur activité était comparée à la prostitution par les institutions religieuses.

Les parures antiques 

François-Joseph Talma est un comédien particulièrement reconnu à l’époque et encore aujourd’hui. Selon sa biographie de la Comédie française, il est décrit comme “le plus grand acteur tragique de l’histoire du théâtre français, l’une des personnalités phares de l’époque révolutionnaire et de l’Empire, interprète d’une époque, rénovateur et innovateur de l’art dramatique”. Son amitié avec Napoléon I^er (et la relation qu’il partageait avec sa sœur, Pauline) va cristalliser la légende. L’empereur lui offrira ce bijou : une couronne de laurier dans un écrin personnalisé. 

Pour comprendre cette pièce historique majeure, bien plus qu’un bijou de scène, il faut reprendre le contexte de l’époque. Vers la fin du xᴠɪɪɪ^e siècle, plusieurs tragédiens envisagent une première révolution du costume de scène, grandement influencés par Voltaire et sa conception de la tragédie historique. Le costume de scène doit s’adapter au temps et au lieu d’action, alors que jusque-là il était influencé par la bourse des comédiens et donc à la manière dont un costume pouvait être réutilisé d’un rôle à l’autre.  

Ce fait pouvait amener non seulement des anachronismes mais également des étrangetés comme une bonne portant autant de bijoux que sa maîtresse ! Une nouvelle réflexion sur le costume antique est donc lancée. Talma y participe.

Dans ce cadre, la couronne de laurier devient un accessoire essentiel pour interpréter les empereurs romains. Talma reçoit ce bijou dans le cadre de son rôle de Néron, l’un des rôles les plus importants de sa carrière. 

L’écrin d’origine, en textile et cuir vert, est orné au-dessus et à l’intérieur. En guise de présentation, une inscription dorée explicite l’objet et le contexte : “Couronne de Talma, rôle de Néron dans Britannicus, donné à Talma par Napoléon”. A l’intérieur, une gravure de Talma représente le comédien dans son rôle phare, Néron. D’autres inscriptions parsèment le couvercle. L’une d’elles ressort particulièrement : “L’Empereur dit à Talma, après l’avoir vu jouer Néron : Talma, nous faisons l’histoire.”  

Cette phrase sous-entend beaucoup. Dans l’œuvre Britannicus, Talma incarne un rôle que Napoléon connaît parfaitement : l’empereur. Pour l’empereur français, lorsque le comédien joue cet empereur d’un autre temps, il accentue sa présence dans sa capitale. Avec cette phrase, il lui demande aussi, peut-être, de ne pas seulement incarner mais aussi d’être. 

Pour un véritable empereur, pas de pacotille ! Même si la couronne de laurier n’est pas fastueuse dans ses matériaux, elle l’est dans sa conception. Des spécialistes pensent que cette couronne a été réalisée sur le modèle de celle du sacre de Napoléon I^er. Aujourd’hui, la couronne du sacre a disparu, fondue après la chute de l’Empire. Il nous en reste une feuille de laurier, conservée dans les collections du château de Fontainebleau : en comparant les feuilles des deux couronnes, elles sont très proches. 

Cette œuvre, riche en symboles, est l’une des pièces les plus prestigieuses de la collection de bijoux de la Comédie française. Elle reprend ici vie aux yeux des spectateurs entourée d’un dessin de Jacques-Louis David, reprenant le célèbre Sacre de Napoléon en miniature (1806) et des gravures de Talma en Néron. 

Rachel et ses bijoux de scène 

Une partie de l’exposition se concentre sur une comédienne d’exception : Rachel. De son vrai nom Elisabeth Félix, elle va le théâtre tragique et attirer les foules. Grande représentante du romantisme, à travers ses œuvres mais également sa vie puisqu’elle décèdera à l’âge de 37 ans, elle est une exception dans le monde du théâtre. 

 

 

De nombreux bijoux de sa collection sont présentés dont plusieurs diadèmes qu’elle utilisait pour incarner Phèdre, dans la pièce éponyme. Déjà, la singularité est présente : Rachel avait plusieurs diadèmes pour un seul rôle qu’elle changeait selon les actes. Un cas quasi unique dans l’histoire de la Comédie française !  

Deux sont présentés dans l’exposition : le diadème aux perles et camées (pour l’acte I) et le diadème aux pierres de couleur (pour l’acte II).  

 

 

Le diadème aux perles et camées se compose d’un bandeau en métal doré comportant un décor gravé de feuilles d’acanthe. Cinq camées coquille ponctuent le bandeau. On parle de camée coquille lorsque la gravure est effectuée sur un morceau de nacre bicolore. Les camées les plus précieux sont réalisés en onyx ou en agate, par exemple.

Au centre, la figure d’Aphrodite est encadrée de deux personnages masculins : Hermès et une figure non identifiable. Sur les extrémités sont présents, d’un côté Eros, de l’autre Psyché, symbolisant l’amour interdit. 

 

Des tirages photographiques nous permettent de visualiser la comédienne dans son costume de scène. Rachel était réputée pour être, malgré sa taille menue et “insignifiante”, la plus grande tragédienne. C’est à travers la force de sa gestuelle brûlante qu’elle exprime des émotions fortes.  

Dans cette photographie, Rachel, dans la peau de Phèdre, avoue son amour interdit pour Hippolyte : la main droite cache son visage, orné du diadème aux perles et aux camés, tandis que l’autre reste en l’air. L’accablement est présent dans toute sa splendeur. 

 Le second diadème est non moins exceptionnel. Cette couronne en alliage cuivreux doré est ornée de pierres de verre évoquant des pierres précieuses dont l’aigue-marine, le grenat et l’émeraude. 

Ce diadème fut offert par la troupe de la Comédie française en 1843. C’est la première mais également la dernière fois que les sociétaires vont réaliser un cadeau, d’une grande finesse, à une de leurs pairs : l’exceptionnalité de Rachel est ici encore démontrée. 

Ce geste montre l’admiration de ses pairs et constitue également un remerciement de la loyauté de la jeune comédienne. En effet, lorsque Rachel entame sa carrière, elle est encore mineure et ne peut signer un contrat avec la Comédie française pour en devenir une sociétaire. Elle est libre de partir où elle le souhaite mais elle est restée, par loyauté.

            Rachel connut un succès fulgurant, peut-être trop. Déjà fatiguée par ses tournées successives, elle accepte une tournée aux Etats-Unis d’Amérique et revient en 1857 épuisée. Elle meurt au Cannet l’année d’après à l’âge de 37 ans. 

“Monstres sacrés, acteurs-bijoux” 

            Jean Cocteau désignait les comédiens qui l’ont marqué, les “monstres sacrés”. C’est également le nom d’une de ses pièces de théâtre, écrite en 1940.  L’un de ces monstres, c’est Sarah Bernhardt. De fait, il est impossible de parler de Comédie française sans l’évoquer, considérée comme l’une des plus grandes comédiennes de son temps. 

 

Cette broche offerte à Sarah Bernhardt est composée d’une couronne de laurier d’où s’échappent six branches de laurier. Les feuilles d’or sont incrustées d’émeraudes. Des masques de la tragédie et de la comédie finalisent l’ensemble.  

Une inscription orne la banderole blanche émaillée : “À Sarah Bernhardt la gloire de l’art français 1896.” Difficilement portable par son poids, ce bijou est avant tout un cadeau. Le 8 décembre 1896, un hommage est rendu à la grande comédienne par ses amis et les comédiens. Cette broche en est le souvenir. 

La matière précieuse, les pierres et la technicité de René Lalique font de cette pièce un chef d’œuvre de l’exposition. 

Si cette pièce ne fut pas portée par Sarah Bernhardt sur scène, de nombreuses photographies nous donnent un aperçu de l’amour de la comédienne pour le faste des bijoux. Une grande partie de sa collection fut réalisée par Lalique. 

            Dans l’époque vibrante de la Belle Époque, Sarah Bernhardt est une représentante de l’Art Nouveau dont René Lalique est l’ouvrier prolifique. En effet, les comédiens et artistes (et non plus artisans !) travaillent en chœur pour pousser toujours plus loin l’art du bijou et notamment le bijou scénique. 

L’Art Nouveau prend naissance aux alentours des années 1880 et s’inscrit dans la lignée des Arts and Crafts anglais. Ses poncifs sont liés à la femme, la faune et la flore, ce qu’on appelle les “3F”.  Tirée des Métamorphoses d’Ovide ou complètement inventée, la métamorphose en est également une grande partie. Ces sujets sont représentés dans des courbes légères qui évoluent du réalisme à une stylisation, frôlant l’abstraction.  

René Lalique est l’un des grands représentants de l’Art Nouveau : à travers une maîtrise parfaite des techniques du verre, de l’émail (remis au goût du jour par le mouvement) et de la taille, il connut un succès fulgurant jusqu’à sa mort. Dans la réalisation des bijoux de scène, René Lalique était un artiste de choix. “Maître-verrier”, il privilégiait les matières non nobles qu’il maîtrisait avec une telle dextérité que le chef-d’œuvre résidait dans la technique. 

Une exposition théâtrale réussie 
 

            Grâce à ses expositions temporaires, l’Ecole des Arts Joailliers met en avant un aspect de l’histoire de l’art trop peu présenté : l’histoire des bijoux et leur rôle artistique et politique, au sein de notre société réelle ou fictionnelle. 

            Brillante et extravagante, l’exposition “Les Bijoux de scène de la Comédie-Française” est un passage obligé en cette fin d’année 2023. Si l’exposition n’est pas immense, elle impressionne par la qualité des prêts et la muséographie théâtrale, accentuée par le décor fastueux de l’hôtel particulier.  

            Le sujet est pointu mais très accessible par les divers éléments de médiation présents tout au long du parcours. De plus, l’Ecole des Arts Joailliers tient à valoriser ses expositions temporaires avec la présence de guides-conférenciers.  

Prévue initialement jusqu’au 4 février 2024, la date de fin peut être repoussée au vu de l’ouverture retardée. Notre seul conseil est de guetter l’ouverture officielle et de vous ruer sur les créneaux de réservation

Ressources :

• Bijoux de scène de la Comédie française, sous la direction de Guillaume Glorieux et Agathe Sanjuan, éd. Gallimard/l’Ecole des Arts Joailliers, 2023.
• Biographies des sociétaires de la Comédie française (https://www.comedie-francaise.fr/fr/comediens-de-la-troupe)

BACQUET Anaïs 

Master 1 EAD “Les sociétés modernes et contemporaines dans les mondialisations” 

Mémoire sous la direction de Julie Le gac 

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