Ce 24 novembre, je me suis rendu au château de Versailles qui consacre une grande rétrospective dédiée au peintre Horace Vernet. Horace Vernet (1789-1863) est un peintre romantique et orientaliste français qui a vécu sous le gouvernement révolutionnaire, l’Empire napoléonien, la monarchie de Juillet et le Second Empire.

Horace Vernet fait partie d’une famille de peintre, son grand père n’est autre que Joseph Vernet, peintre de marines, en outre il est le fils de Carle Vernet.

C’est cet héritage artistique familial qui est représenté dans la première salle notamment à travers deux peintures, l’une représentant son grand père « tempête par le maitre des marines : Joseph Vernet », l’autre « ascension du Vésuve » peint en 1820 représente son père et son grand père escaladant le Vésuve pendant une éruption. A travers ces deux tableaux qui mettent en valeur l’audace de ses aïeux représentés dans des situations héroïques, le peintre crée sa propre légende familiale. Les deux tableaux témoignent de la période romantique dans laquelle s’inscrit Horace Vernet.

 Au-delà de l’influence familiale Horace Vernet est aussi fortement influencé par un autre peintre : Théodore Géricault, il partage avec lui la passion des représentations équestres. Entre les deux artistes s’est créée une forme de rivalité qui est visible au travers de leurs œuvres qui traitent parfois du même thème.

 

En premier, « la course des chevaux à Rome 1817 » de Géricault, et en second, « la course des chevaux barbes à Rome dans le Corso, scène de carnaval 1826 » de Horace Vernet.

Les thèmes sont les mêmes, Horace Vernet aurait beaucoup « copié » Géricault. En regardant les deux peintures, on voit que Géricault, qui a un temps d’avance, s’intéresse plus au mouvement dans la représentation équestre, la scène semble vivante. Au contraire, Vernet lui est plus porté sur le détail et la force virile du cheval, les éléments et détails du tableau semblent posés là, sans faire un tout, l’idée de mouvement est bien moins présente.

Cette rivalité et ces différences dans la peinture équestre m’ont rappelé la bande dessiné « Blueberry ». Le dessinateur de cette BD est le mythique Jean Giraud alias Moebius mort en 2012. À sa mort il y a eu une suite à cette saga western, c’est Christophe Blain qui a dessiné cette suite notamment dans le dernier tome « amertume apache ». S’il n’y a pas rivalité entre les deux hommes les deux styles de représentations équestres (au cœur de la saga) diffèrent et comme Géricault, Christophe Blain semble plus s’intéresser au mouvement qu’au détail. Sans bien sûr remettre en question le talent de Moebius chez qui le mouvement dans la représentation équestre est extrêmement bien représenté mais il s’intéresse plus aux détails que son successeur Christophe Blain. À droite un dessin équestre de Christophe Blain qui montre cet intérêt prononcé pour le mouvement équestre.

 

 

Horace Vernet est souvent décrit comme un peintre violent, raciste, sexiste et antisémite. Il est dur, pour moi qui ne connais pas bien le personnage, de déterminer la véracité de telles allégations cependant à travers son œuvre il est vrai que certains détails ne trompent pas. Deux exemples qui pourraient témoigner de tels traits de caractère dans ses œuvres sont des détails dans les peintures exposées au musée. Dans son tableau représentant la prise de la smala peint en 1842, on peut voir le détail d’un marchand juif qui s’enfuit avec un petit « butin ». Également dans le tableau « Edith retrouvant le corps d’Harold 1827 », j’ai remarqué qu’il y a une grande différence du travail de la représentation des mains, qui est l’une des parties de l’anatomie humaine les plus difficiles et pénibles à représenter pour les peintres. La représentation des mains masculines semble bien plus travaillée que la main du personnage féminin. Cela pourrait témoigner d’une vision sexiste de l’artiste qui prête plus d’importance à la représentation du corps masculin que du corps féminin. Cependant cela pourrait aussi simplement venir du fait qu’Horace Vernet qui est avant tout un peintre militaire a une meilleure connaissance et technique de la représentation des corps masculins.

La suite de l’exposition montre l’œuvre de Vernet lorsqu’il peint les guerres napoléoniennes et les conquêtes de la monarchie de Juillet. Comme je l’ai dit auparavant Horace Vernet est un peintre avant tout passionné par la question militaire. Un grand nombre de ses peintures historiques représentent Napoléon. Il était l’un des peintres préféré de l’empereur qui l’a beaucoup soutenu et plus tard il sera aussi très apprécié par le roi Louis Philippe. Horace Vernet est politiquement opposé à la Restauration (1815-1830); néanmoins il reçoit de nombreuses commandes d’états et du Roi Charles X sur cette période. Cette opposition politique est perceptible à travers certaines de ces œuvres et montrent qu’un artiste et ses œuvres s’inscrivent toujours dans un contexte politique et historique et dans une nécessité pour l’artiste de trouver des clients. Un détail qui pourrait illustrer cette dualité entre position politique et impératif financier est la représentation de la tête d’un cheval (qui paraît parfaitement grossière) dans un tableau commandé par le roi et peint en 1824. Encore une fois difficile de dire si c’est une moquerie cachée ou une difficulté de représentation. (L’analyse du tableau dans son ensemble montre qu’il a été énormément retravaillé.)

Dans cette salle consacrée à la période Napoléonienne et à la Restauration, il y avait aussi certaines œuvres concernant l’expédition militaire française au Maroc sous la monarchie de Juillet (1830-1848) car cette salle est à la base une salle « marocaine » voulue par Louis Phillipe. Une œuvre a particulièrement attiré mon attention : « la prise de Tanger ».

C’est ce tableau que j’ai trouvé le plus esthétique dans toute la galerie. Sous le tableau, il y avait un escabeau placé pour signifier que le tableau était inachevé. De nombreuses œuvres de d’Horace Vernet ne sont pas entièrement finies. L’explication donnée est qu’ Horace Vernet était un peintre qui peignait extrêmement vite, sans suivre toutes les étapes et les codes de la peinture. Il travaillait beaucoup de mémoire. Ses contemporains lui ont beaucoup reproché cette rapidité voire cette précipitation. À la fin de l’exposition une caricature le montre même peignant des toiles sur un cheval au galop.

Pourtant une autre explication pouvant répondrent de ces œuvres inachevées, cela viendrait d’une volonté artistique de sa part.

Le fait de ne pas finir une œuvre est un effet artistique qui a été utilisé par les plus grands notamment chez les sculpteurs avec l’exemple de Rodin. Cette technique dites du « non finito » a été introduite par Michel Ange (1475-1564) et a influencé énormément d’artiste après lui. Il n’est donc pas impossible qu’Horace Vernet ait lui aussi cette technique.

 

A gauche un « non finito » de Michel Ange, à droite « la Danaïde 1889 » de Rodin qui reprend la technique du « non finito » dans cette sculpture représentant sans doute son amante et amour chaotique, la sculptrice Camille Claudel (1864-1943).

La grande salle de l’exposition retrace les victoires algériennes de l’armée française en Algérie avec notamment une représentation gigantesque de la victoire française contre la smalah d’Abd-el-Kader en 1843. C’est l’un des plus grands tableaux jamais réalisés. Il est peint en 1843 juste après l’événement. Ce format gigantesque s’inspire par la mode des panoramas qui s’est développée à l’époque. Le tableau plait beaucoup au public car il permet de visualiser beaucoup de détails et évènements mais il est très critiqué par les « autorités artistiques » de l’époque qui raillent le tableau de Horace Vernet comparant le peintre à un caricaturiste. Aujourd’hui encore le tableau est très critiqué par certains historiens américains qui le considèrent raciste dans la représentation du juif ou des femmes algériennes et noires dont les formes sont particulièrement représentées…

Pourtant l’ensemble de la toile ne donne pas forcément une image glorieuse de l’armée française, les troupes algériennes semblent être prises par surprise et apeurées.

La dernière partie de l’exposition montre les œuvres d’un Horace Vernet en fin de carrière, cette partie était intéressante car Horace Vernet peint avec plus de liberté, puisque ce ne sont plus des commandes de l’État. La guerre qui est le sujet central de l’œuvre de Vernet est alors représentée avec plus de véracité, plus de réalisme et moins formellement que ces peintures répondant à des commandes d’État. C’est finalement dans cette période que Horace Vernet réalise, à mon goût, ses œuvres les plus intéressantes.

Dans ces deux œuvres réalisées en fin de carrière on voit que la guerre est représentée de manière beaucoup plus crue, réelle, que dans le reste de la galerie. Horace Vernet représente les morts, les explosions, la souffrance, même s’il met toujours en avant la grandeur de l’armée française, Horace Vernet est un personnage extrêmement conservateur.

Quelque part à la fin de sa carrière, et donc à la fin de la galerie, l’artiste qu’il est se dévoile plus et il montre plus qu’il ne l’avait fait auparavant l’étendue de son talent.

Cela montre bien que dans l’analyse historique d’un artiste, d’une œuvre ou d’une série d’œuvres il faut bien prendre en compte de nombreux facteurs comme la personnalité de l’artiste, l’époque et le contexte dans laquelle il ou une de ses œuvres s’inscrit. Une toile qui répond à une commande d’état ne répond pas aux mêmes critères et besoins artistiques qu’une œuvre personnelle ou destinée à un particulier.

En ce sens, Horace Vernet est révélateur de son époque, peintre de l’Empire, de la Restauration et de la monarchie de Juillet. Son œuvre et son style évoluent en fonction de sa propre volonté artistique mais aussi selon l’époque et le contexte de ses différentes toiles.

Il était aussi intéressant de voir comment la guide conférencière qui nous a fait la présentation mais qui était aussi la personne en charge de la scénographie de l’exposition s’est posée toutes ces questions d’ordre scénographiques, artistiques, chronologiques et même esthétiques dans la disposition des différentes œuvres exposées. J’ai trouvé par exemple très pertinent de mettre le tableau équestre de Géricault à côté de celui de Horace Vernet pour montrer cette rivalité et cette différence de style.

Jarton Ellis.

Master 2 Parcours Mondes anciens et médiévaux sous la direction de Matthieu Rajohnson

 

 

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