Archives par mot-clé : Film

HUGO TINCHANT. LA TRILOGIE AUTOBIOGRAPHIQUE DE VITALI KANEVSKI

À travers Bouge pas, meurs, ressuscite (1989), Une vie indépendante (1992) et Nous, les enfants du XXème siècle (1994), Vitali Kanevski  dépeint son enfance en URSS au moment où celle-ci s’effondre : une manière d’enterrer sa vie de jeune garçon ?

Bouge pas, meurs, ressuscite (1989) : une peinture du stalinisme encensée par la critique occidentale 

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Vitali Kanevski, Bouge pas, meurs, ressuscite (1989).

La perestroïka est initiée en avril 1985 par Mikhaïl Gorbatchev, entraînant la mise en œuvre d’importantes réformes économiques, politiques et sociales, la démocratisation générale de toutes les sphères de la vie et la mise en place d’une politique de glasnost : un assouplissement de la censure et une liberté d’expression élargie. Cette politique entraîne un dégel du cinéma soviétique lors du Ve congrès des cinéastes en mai 1986. Elem Klimov, qui avait grandement souffert de la censure, est nommé Premier Secrétaire et une nouvelle ligne de conduite est adoptée : suppression de la tutelle du Goskino (ministère du cinéma) et de toute censure idéologique et morale, libération de la production cinématographique et enfin création d’une Commission des conflits destinée à liquider les séquelles de la censure en approuvant des œuvres autrefois interdites1. L’un des symboles du dégel est Le Repentir (1984) de Tenguiz Abouladze qui, à travers un personnage principal hybride évoquant à la fois Staline, Beria, Hitler et Mussolini, dresse une critique du totalitarisme. Interdit par Brejnevlors de sa conception et interdit de projection par ses successeurs Andropov et Tchernenko, il sort finalement en 1987 après son passage devant la Commission des conflits. Bouge pas, meurs, ressuscite (1989) s’inscrit dans cette dynamique : son réalisateur Vitali Kanevski est lui aussi un réalisateur classé indésirable par l’institution soviétique brejnévienne et il est donc contraignant pour lui de mener son activité artistique. Il a purgé, de 1966 à 1974, une peine de huit ans en camp de travail pour un viol qu’il assure n’avoir jamais commis. Il affirme qu’il s’agit d’un coup monté du KGB, à la suite de son refus d’être leur informateur, et que la jeune femme qui l’a accusé – fille d’un colonel du KGB – est revenue sur sa déposition et a demandé à l’administration à ce qu’il soit gracié2. De plus, son film autobiographique s’inscrit dans un mouvement issu de l’Europe de l’Est qui présente à l’Occident les dérives du marxisme-léninisme (stalinisme) dans l’URSS et ses satellites. Enfin, Vitali Kanevski vécut de larcins dans le village côtier et minier Soutchan (aujourd’hui nommé Partizansk) dansl’Extrême-Orient russe faisant de lui un ennemi de l’exemplarité soviétique.  Continuer la lecture de HUGO TINCHANT. LA TRILOGIE AUTOBIOGRAPHIQUE DE VITALI KANEVSKI

  1. GODET Martine, La pellicule et les ciseaux : la censure dans le cinéma soviétique du Dégel à la Perestroïka, CNRS Éditions, Paris, 2010. []
  2. СТАС ТЫРКИН, Виталий Каневский : «Мужик в Каннах сказал, что виски лучше водки, – как я могтакое стерпеть ?!», [https://www.kp.ru/daily/24605/776216/], consulté le 4 mars 2026. []

BAPTISTE EYCHENNE. NUREMBERG (2025) DE JAMES VANDERBILT OU LE SERVICE HISTORIQUE MINIMUM.

Introduction

Projeté en avant-première au Festival international du film de Toronto où il fut l’objet de critiques mitigées, le long métrage Nuremberg débarque dans les salles européennes en ce début février. Vaste tâche à laquelle s’adonne le cinéaste américain James Vanderbilt, plus coutumier du travail scénaristique que de la mise en scène – il ne s’agit, en effet, que de son second film. Les amatrices et amateurs d’histoire, et les esprits curieux, ne manqueront pas de se laisser convaincre par ces grandes affiches que l’on imagine déjà sombres et graves, promettant à qui veut voir une plongée historique dans un moment marqué par la solennité d’un procès fleuve. Gare à la déconvenue pourtant car, si le film se veut par moment œuvre didactique, il révèle surtout, et à son insu, tout un ensemble de représentations contemporaines accolées au fameux procès éponyme tenu au lendemain de la Seconde Guerre mondiale (1945-1946). Continuer la lecture de BAPTISTE EYCHENNE. NUREMBERG (2025) DE JAMES VANDERBILT OU LE SERVICE HISTORIQUE MINIMUM.

AUGUSTE MESLET. COMPTE RENDU DE FILM : LA REINE MARGOT DE PATRICE CHÉREAU.

Principalement célèbre pour ses fastueux costumes, La Reine Margot, film de Patrice Chéreau, sorti en 1994, revient sur l’un des événements les plus célèbres et longtemps controversé de l’histoire de France : le massacre de la Saint-Barthélemy. Le projet de ce film naît de la volonté du producteur Claude Berri de réaliser un film patrimonial dans la lignée de ses récents succès Jean de Florette ou encore Manon des sources. Dans les années 1990 d’autres adaptations patrimoniales, comme celle des romans de Marcel Pagnol par Yves Robert ou de Cyrano de Bergerac parJean-Paul Rappeneau connaissent aussi d’importants succès. Claude Berri propose ainsi à Patrice Chéreau, alors principalement célèbre pour son travail de metteur en scène de théâtre, de réaliser une adaptation d’un livre d’Alexandre Dumas. Le choix se porte sur La Reine Margot, publié en 1845 sous forme de roman-feuilleton, premier volet d’une trilogie consacrée à la dynastie des Valois et aux guerres de religion. Patrice Chéreau s’intéresse à ce livre pour plusieurs thématiques comme la violence et le massacre de la Saint-Barthélemy. Sujet qu’il a déjà abordé au théâtre en 1972, dans une pièce écrite par Christopher Marlowe intitulée Massacre à Paris. Il est alors intéressant de s’interroger sur la manière dont Chéreau représente cet événement et les différents acteurs historiques qui y prennent part, mais aussi, plus largement, sur le rapport qu’il entretient à l’histoire. 

Le film se présente clairement comme une adaptation du roman d’Alexandre Dumas plutôt qu’une tentative de récit historique. Alexandre Dumas, principalement inspiré par l’historiographie protestante majoritaire au XIXe siècle, reprend dans son ouvrage un discours clairement anti-Valois. La responsabilité du massacre et de l’attentat contre Coligny est attribuée directement à Charles IX, montré comme un roi calculateur. Le livre contribue, de plus, à la construction de la légende noire de Catherine de Médicis qui y est montrée comme reine étrangère, machiavélique et manipulatrice.  

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Tinchant Hugo. Peter Watkins : l’histoire au service du docu-fiction

Peter Watkins : l’histoire au service du docu-fiction

Peter Watkins est un réalisateur britannique né en 1935. Il est connu pour ses films politisés tels que La Commune ou Punishment Park,  que nous allons étudier en détail. C’est un militant pacifiste, anti-impérialiste, anti-américain et antifasciste. Il utilise le concept de docu-fiction : utiliser les codes du documentaire dans le cadre d’une fiction  afin de plonger le spectateur en immersion dans une époque où la caméra n’existait pas (La Commune) ou dans une uchronie (Punishment Park). Il associe le contexte de narration  et le contexte de sortie afin de mieux dénoncer la répétition des schémas d’oppression. Il critique avec véhémence les médias, constamment dans la quête du sensationnel, qualifiés de « monoforme  » : ils utilisent les mêmes codes pour filmer les évènements et pour procurer des émotions aux spectateurs contrôlées  par ces mêmes médias. A travers les exemples de La Commune et de Punishment Park, nous allons voir comment Peter Watkins part d’événements historiques pour dénoncer ses  contemporains : les médias, les dirigeants et même les dirigés. Continuer la lecture de Tinchant Hugo. Peter Watkins : l’histoire au service du docu-fiction

Baptiste Eychenne. The Brutalist de Brady Corbet, une trajectoire singulière dans le rêve américain

Introduction et synopsis 

Ni L’Enfance d’un Chef (2015), ni Vox Lux (2018), les deux précédents métrages de Brady Corbet, jeune réalisateur états-unien, n’avaient fait l’objet d’une sortie au cinéma. Dès lors, s’inviter dans les salles sombres avec une fresque de 3 heures et demie (entracte compris), tournée uniquement en VistaVision, relève de l’entrée tonitruante. En effet, monumental, The Brutalist l’est certes par sa durée, mais surtout par ses ambitions, autant démesurées que maîtrisées. Dissimulé sous les airs d’un biopic historique comme Hollywood sait si bien les usiner, le film prend pourtant le contrepied de toute une industrie et ouvre, par-là, des perspectives excitantes qu’il convient d’aborder sur le plan social puis historique.  

The Brutalist conte l’histoire d’un architecte juif et hongrois – Laszlo Toth (incarné par Adrien Brody), personnage fictif qui, fuyant l’Europe au crépuscule de la Seconde Guerre mondiale, vient trouver « l’accueil » et l’avenir aux Etats-Unis. De petits travaux de subsistance en rencontres fortuites, il fait la connaissance d’un baron local, Harrison Van Burren (Guy Pearce), lequel confie à Laszlo la tâche d’ériger un monument architectural sur ses terres. C’est autour de ce chantier d’une vie que se noue la trajectoire de l’immigré hongrois. C’est par lui qu’il exprime son art architectural, le brutalisme, et qu’il découvre en parallèle la brutalité inouïe d’un monde social puis d’un pays auxquels il demeure étranger.   Continuer la lecture de Baptiste Eychenne. The Brutalist de Brady Corbet, une trajectoire singulière dans le rêve américain

Zoë Lachuer.Les enfants oubliés des déportations soviétiques : une approche socio-historique à travers Angelochek, Sdelay Radost

« At the end of the XIXe century, German pioneers from Russia settled in the Transcaspian region. Turkoman natives called them Mujuks. In the local dialect, this word denoted a nation, a social class, and an occupation. Mujuks settlements existed on Turkmenistan’s territory up to World War II.[1] » Continuer la lecture de Zoë Lachuer.Les enfants oubliés des déportations soviétiques : une approche socio-historique à travers Angelochek, Sdelay Radost

Remi Bernard. Napoléon, un film d’histoire.

Il aurait dû être le projet de Kubrick. Il aurait dû être le film définitif sur Napoléon. Il est pendant longtemps resté un fantasme des cinéphiles ; tué par le coût exorbitant et l’échec du film Waterloo (1970) de Sergueï Bondartchouk. Le réalisateur de Barry Lyndon 1975 a dû abandonner un scénario de 180 pages, (3h théoriques, l’usage voulant qu’une page soit égale à une minute) et un dossier de 15 000 photos. Et puis le projet a été repris par un autre réalisateur touche à tout habitué aux films à grand spectacle et historiques : Ridley Scott. Celui qui a mis à en scène Gladiator (2000), Kingdom of Heaven (2005) et Le Dernier Duel (2021) a-t-il réussi à reprendre le Flambeau le Kubrick en réalisant un grand film historique ?

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Vincent Leglaive. Simone Veil : le parcours d’une femme exemplaire du XXème siècle

Le film Simone, Le Voyage du Siècle est sorti le 12 octobre et dresse le portrait de Simone Veil qui a fortement marqué la société française de la seconde moitié du XXème siècle. Si son nom reste attaché à la loi pour la légalisation de l’IVG, on découvre également sa lutte pour humaniser les prisons françaises des années cinquante ou son action aux côtés des malades du sida ou des toxicomanes, probablement moins connues. C’est aussi un parcours de vie marqué par la déportation dans les camps de la mort nazis, filmés de manière très réaliste par la caméra d’Olivier Dahan. En filigrane de ces drames historiques ou des combats politiques, l’intérêt de ce film réside aussi dans le regard sans concession qu’il jette sur la place de la femme au sein de la société française de l’époque et dont Simone Veil a, par sa pugnacité, fait largement bouger les lignes. Enfin, la dimension narrative, faite d’alternance entre différentes périodes temporelles, comme le soin apporté aux costumes, aux décors ou aux accessoires renforcent la dimension historique du film. 

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